“音乐是人性的表现，如果你在我的音乐中听见人性，你就看到我的心意，也是我对这个世界的贡献。当陌生人相遇会发生什么事呢？‘丝路’就是答案。”
——马友友
丝绸之路是一条具有历史意义的国际通道，正是这条古道把古老的中国文化、印度文化、波斯文化、阿拉伯文化和古希腊、古罗马文化连接起来，促进了东西方文明的交流。这条东起中国古都长安（今西安）、西至地中海东岸。
在丝绸之路的音乐旅行中，刘麟感受更多的是不同音乐元素的碰撞，不同音乐语言对话后的兴奋和开心。在与世界顶尖音乐家的合作中，刘麟又将吉他的演奏带向新的领域和艺术境界。刘麟说年少时便受到马友友先生音乐的影响，至今，两位华人音乐家在丝绸古道已携手走过4年的光阴。4年中，刘麟在马友友先生的音乐与德行中，对职业音乐家应具备的内涵与素质有了更为深刻的理解。
今年，刘麟与马友友先生携手走进美国洛杉机著名的好莱坞BOWL音乐厅，继续丝绸之路的美国之旅。一直以来，好莱坞BOWL是刘麟心目中的音乐殿堂，梦圆好莱坞BOWL，更是刘麟对马友友先生多了一份感恩和崇敬的心态。在丝绸之路中，刘麟与马友友在新加坡滨海艺术中心剧场首次对话，二度携手在美国圣地亚哥的探戈屋。在圣地亚哥每年的7、8月份，都有盛大的国际音乐节活动，音乐节涵盖了传统音乐、古典与爵士音乐，还有流行音乐。活跃在世界音乐舞台上的大师帕尔曼、马友友、小泽征尔每年都会出现音乐节的舞台上。伦敦交响乐团、纽约爱乐乐团等国际知名乐团的参与，更提升了该音乐节的盛誉与地位。在经历探戈屋一星期紧张的排练后，刘麟携手马友友继续进驻卡内基音乐厅。
梦圆卡内基音乐厅，刘麟感触颇多，一直以来，卡内基音乐厅都是世界顶级演奏家展现音乐才华的艺术殿堂。刘麟询问卡内基音乐厅的工作人员，来卡内基音乐厅演奏的亚洲吉他演奏家多否，工作人员摇着头简单说道NO，只有艺术水平达到相当高度的演奏家，才会出现卡内基音乐厅的舞台上。刘麟透露，明年将在纽约林肯中心与芝加哥继续丝绸之路的巡演。
1998年，他正式创建了“丝绸之路”音乐组织丝路计划(Not-For-Profit Silk Road Project)。丝路计划汇集了包括美国大提琴手艾格麦尔、中国吉他演奏家刘麟、AGAIN轮回乐队的主唱吴桐等24位音乐人，他们一起创作，一起研讨，一同编曲，24位陌生人，因音乐分享共通语言，因创作产生共鸣，因沟通加深彼此的信任。经过三年的相互学习，旅行，音乐探索，终于，在2001年8月，在纽约完成了第一张专辑。
马友友先生曾说：“音乐是什么是一个很大的问题，音乐不止是声音，音乐是讲到一个人的内心，一个人的个性，讲到社会共同的东西，如何把古典的音乐变成今天活的东西，如何用音乐表达出真实的东西？怎么样把复杂的东西简单地表达出来？能不能找到一种沟通，传达给别人？我总是想这些问题，我相信每一位音乐家都是这样，不但要吸收很多，也要能够表达出来，当然技巧很重要，但技巧是为了更好地表达作者的思想。你的工作只有在别人接受了以后才算完成。”
马友友永远记住老师的箴言，“想一想不同的人不同的故事有什么共同的地方。”他相信，“每个国家、每个社会都有音乐，音乐是表达我们心理最可贵的思想感情的，人生最重要的是不同地方国家的人与人之间有更多的了解更多的沟通。”在这种思想的指导下，马友友从一个顶级的大提琴演奏家迈向了一个新的高度，致力于各民族音乐文化之间的交流、融合和推广教育工作。
面对不同国度、不同音乐文化背景的音乐家，刘麟、马友友等国际音乐家“丝路”的创作与磋商显得尤为重要。刘麟介绍，各国音乐家凭借对中国传统作品的理解，会将不同地域的音乐元素有机融进中国音乐中来，以求得更高品质室内乐艺术境界。在中国传统作品的演绎中，听众会惊奇的发现印度鼓、现代打击乐、弦乐四重奏多元化的音乐元素。
刘麟说，丝路音乐的内涵或许源于传统，通过现代音乐思维重新诠释，室内乐迈向了世界音乐的领域和高度。在音乐的对话中，各国音乐家相互给予的音乐感觉与互动，使瞬间的音乐发挥到淋漓尽致的艺术境界。
马友友最初设想在室内乐的创新上求得多元的音乐元素与表现形式，丝绸之路沿线国家的民族音乐地域色彩鲜明浓厚，旋律线条流畅、优美，中国、印度、伊朗、蒙古都是丝绸之路的沿线国家。在2005的丝路计划中，刘麟将哈萨克斯坦族的《燕子》与我国家喻户晓的传统琵琶古曲《十面埋伏》带到了丝路。刘麟介绍，将《十面埋伏》改编成室内乐作品，刘麟与马友友先生在日本与美国酝酿了许久，难度在于将作品的意境与内涵介绍给不同国家的音乐家们，使他们对音乐作品的意境、演奏形式进行恰到好处的演艺，这是非常细致与难度很高的工程。室内乐版的《十面埋伏》最初是在卡内基音乐厅通过公开排练的方式与公众见面，观众可直接在现场向音乐家排练。
日本名古屋的世博会是展示世界各国高端技术的展览会，在名古屋丝绸之路的演出，是非常表现中国文化的演出，丝绸之路演出了8场。在演出与排练中，给刘麟最深刻的印象是各国音乐家之间灵感的碰撞，以及音乐家间的人文关爱。马友友先生希望每位职业音乐家将自身调整到最佳的状态，友友希望音乐家都处在新音乐的创作中，感受成功的喜悦与快乐。刘麟认为，马友友先生此举具有非常深远的意义，将不同国家的音乐家组织在一起，在不同风格音乐的融合与碰撞，每个国家带来音乐各具特色。马友友先生从美国带来的弦乐四重奏的精湛技艺，让刘麟受到震撼。最初，丝绸之路的演出团队中，有美国ICM公司旗下的琵琶演奏家。刘麟的美国事物也有ICM公司直接料理。
刘麟从8月4号到达美国圣地亚哥，直接进行排练，在《十面埋伏》中，融入了弦乐四重奏，吉他、以及吴桐演奏的笙。在国内印象中，古曲《十面埋伏》是琵琶独奏的保留曲目，新版的《十面埋伏》经过刘麟、马友友音乐家们的重新配器演艺，呈现出全新的立体化视听空间，作品的合作方式可谓是突破性的创新。
今年丝绸之路的唱片将由日本NHK与SONY公司出版发行。刘麟介绍，每年新年底，丝绸之路都会将演出日程和音乐的曲目都已确定下来，根据到不同国度的巡演，选择的曲目也会不尽相同。让刘麟感到有趣的是，当演出结束后，歌唱家帕瓦罗蒂开始继续装台，准备演出。
在国内音乐界，刘麟参与了三宝、娜英、刘欢、韩红等著名音乐人的音乐会，2004年三宝的新年音乐会，采用现代音乐的演绎方式表现传统音乐的根基；刘欢的音乐会，刘麟首度与中国爱乐乐团合作，韩红的音乐会更奠定了刘麟在国内音乐界无可替代的地位。刘麟认为，自己参与国内的众多大型音乐会，以及参与国内一线的音乐人的唱片录制，自己在其中是在随意中寻找不随意的音乐创作方式与手段。在录音过程中，如何从整体角度完成作曲与编曲对音乐配器整体上的要求，刘麟用自己的方式会演绎多重感觉，编曲会针对刘麟的即兴演奏进行选择。但刘麟认为参与现代室内乐的演绎，来不得半点随意，讲求更为严格的演绎方式，演奏要求有板有眼的进行，作品即兴演奏的成分相对要少。
刘麟向记者介绍，能够受到马友友先生的邀请，自己处在一种冷静的开心状态，与世界顶尖音乐家同台合作，更使刘麟获益匪浅。针对音乐的细节，对于音乐的乐句、和声、节奏，要求职业音乐家在最短的时间内，达到最佳的合作状态，将完整的艺术形象展现在听众面前，这同样是对职业音乐家综合素质的测评与考验。对于职业音乐家，总是在不断的求新求变，各国的音乐家在音乐瞬间碰撞出新的灵感与火花。刘麟认为，音乐合作的默锲，各国音乐家已达到炉火纯青的境地。在演出中，作品谱例已成型，但在排练环节，依然会根据自身的音乐感受，会进行更加完美的调整，这种敬业精神令刘麟深受触动，也使刘麟对职业音乐家的素质具备了更深刻的认识。
在结束美国之行后，马友友先生向刘麟提出了新的合作意项，运用吉他与大提琴重奏的进行重新演绎《第五号巴哈巴西组曲》。刘麟向记者介绍，该组曲创作于1938年，分两组乐章，其中偶尔出现女高音旋律式的自由吟唱，将维拉·罗伯士的乐曲创作情感表现至高点。维拉·罗伯士1887年出生于里约热内卢，是巴西有史以来最伟大的作曲家、指挥家与教育家。他的贡献在于以巴西的民俗音乐为素材，创作出兼具草根性与现代风格的作品。维拉·罗伯士先前以流行音乐起家，尔后受到斯特拉文斯基、理查·斯特劳斯等古典音乐家的影响，加上他早年对巴西原始民族音乐的浓厚兴趣，创作出如《巴赫风格巴西组曲》等脍炙人口的乐曲。
对于吉他音乐家，在个人音乐事业发展的不同阶段，都会向自身提出新的挑战和要求，对于以现代流行音乐风格为主的刘麟，平静的向记者说道，从现代音乐向室内乐演奏寻求发展，本质意义上并不是突破的问题，而是作为职业音乐家应具备的素质和修养。我们知道，大先生乐队的吉他手保罗·高拔同样能用电吉他演奏巴赫的前奏曲，新古典主义风格的代表YOUNGWAY同样能将传统与现代音乐有机的融合在一起，都印证了职业音乐家在音乐风格的驾驭上所具备的品质和宽阔的音乐视野。面对不同音乐风格，职业音乐家只是将其作为音乐创作的有机元素，当灵感迸发的时候，职业音乐家只是将其作为音乐创作的不同素材罢了。刘麟认为，职业音乐家必须有扎实的音乐根基，器乐学习的基本功、音乐理论等有雷同，但职业音乐人如何将其融入自己的演奏艺术中，创造自己的风格才是最重要的。
对于新的乐手，初学吉他的乐手必须注重基本功的训练，扎实的基本功必定会为乐手日后的音乐突破带来不可估量的原动力，包括演奏与音乐理论的基本功，二者必不可缺。当你达到音乐自由王国的时候，基本功会在任何的角度来帮助你实现自己音乐创作的构想，当你从创作的细节与基本功综合在一起考虑时，你会为自己的创作发展找到属于自己的答案。最初，乐手都喜欢练习自己崇拜的乐手的曲目和solo，这是自然的学习心理，但刘麟劝告乐手，必须将练琴与学习音乐的时间调节搭配好，便可以在音乐和技术上获得更多的收益。
每天1点到5点排练，晚上演出，在圣地亚哥，美国国家音乐电台为刘麟作现场演出，在现场访问，向刘麟问道，美国记者对丝绸之路的策划了解很深刻，问及刘麟的话题也是非常的敏感，当美国记者问及刘麟，作为中国第一位走进卡内基音乐厅的演奏家，与马友友合作的感受，因为与马友友合作的吉他手不多，刘麟回答记者，马友友的大师级演奏水准已无可非议，作为国内音乐人，他会与马友友在音乐瞬间，将室内乐的演绎与创作达到最高的艺术境界。
在美国排练期间，马友友先生从美国著名现代音乐学院伯克利音乐学院请来一名学生马丁，作为刘麟的音乐助理，在与马丁的交谈中，刘麟感触很深。马丁问刘麟，作为职业音乐家，如何看待今天的流行音乐，刘麟反问马丁，他在伯克力音乐学院所学的知识，马丁说道，自己现在主要学习的滚石、平克·弗洛伊德、甲克虫等老牌乐队的音乐作品，这些音乐是现代音乐的根源，是现代音乐发展中最精华的部分，自己没有理由不去了解和学习这些音乐历史，这些优秀的音乐作品为和会具备这样强大的艺术生命力，这是我最要学习的知识和音乐历史常识。今后我会如何去发展自己的音乐事业，这些音乐家就是我的榜样和力量。当然，现在有很多新的音乐风格，这是我自己随时随地都可接触的音乐，但历史的音乐，我必须去学习，他们音乐的精髓在哪里？这是马丁想要学习的。传统的Blues我必须学习，现代音乐我也必须掌握，这是吉他手在技术和音乐上应具备的基本功和素质。一个23岁的学生使刘麟坡感惊讶，这也是刘麟对职业吉他手的希望。
马友友意在室内乐寻求突破，但刘麟是运用流行音乐的手段来表现，作品中融入很多现代流行的乐句，大家都在考虑用最新颖的艺术手段表现出来，大家都在考虑现代室内乐表达方式与创作方向。马友友作为大家公认的演奏家，刘麟印象中的马友友，总是自己背着大提琴，一手拿着水，一手拿着演出服，因为长期拉琴导致脊椎歪斜而走路歪向一边；虽然有两个助理，却总是自己开车门，自己往后备箱里放东西。马友友是一个特别注意细节的人。也许，这也是让日本公主成为他的超级fans和好朋友的原因之一吧。美国历届总统在换，但白宫永远会为马友友留一个坐席，他的人格魅力令刘麟倾佩和尊敬，在和马友友的合作中，相互间在音乐的配合与灵感的碰撞，都令刘麟感触坡多。《酒狂》《兰花花》《十面埋伏》中，国际联盟的音乐家共同来演绎中国传统作品，让刘麟既感到新鲜刺激，又为刘麟的音乐创作打开了全新的创作视野。丝绸古道的国家的作品，非常具有民族特色，国际联盟的团队，不同民族元素的融合与碰撞，让丝绸之路的音乐一路风靡，伊朗的作品，融入大提琴与四重奏，完全是全新的艺术形式，令到场的听众耳目一新。某一个地区与地域的音乐，吉他的和声与定弦完全不同，如何更好结合不同元素，让刘麟更加懂得合作的真正内涵。观众对丝绸音乐的理解，更是肃然起敬，观众为音乐家的素质和修养深深受到震撼。3000人剧场的票，在30分钟全部售空，可见听众对这种国家化的音乐形式的浓厚兴趣与热情。
刘麟认为，作为职业音乐人，刘麟向往与不同的音乐家有更多的合作，为自己的创作打开更广阔的音乐视野。
刘麟器材：刘麟在参与录音时，会带很多款琴在身边，原因是不同音乐风格的音乐，对吉他音色的不同要求，各款琴的音色个性不同，刘麟会根据作品表现的需要，选择最适合的吉他音色，来进行作品的二度创作，达到音乐创作中最好的感觉。FENDER于GIBSON已经够了，摇滚音乐335系列已经够了，拉丁音乐中更适合马丁箱琴。
1. MAETIN D41 SPECILAL，刘麟老师在琴的器材部件进行了改动，刘麟希望D41的声音不要具备太多的个性与棱角，音色应偏柔和，厂家在琴的内部器材上进行了调整与改动，琴的外部粘贴了新的装饰品。声音特别完美，音色的收缩性很强，当演奏solo时，个性明显，非常顶级的品牌琴。
参与作品：三宝《金沙》音乐剧全剧的箱琴录音工作
2. GIBSON D35 这是香港通利琴行赠送给刘麟的，刘麟的现场演奏中应用最多的电琴。参与作品：韩红的专辑《天路》，冯小刚的影视作品《天下无贼》曲目中都留下了D35的声音。
3. ES35虎皮封面，ES 35的音色具有很强的特殊性，适合制作流行音乐与摇滚音乐，ES 35的音色个性张扬，韩红的演唱会，许巍的专辑《旅行》的电琴声部，皆是ES35的功劳。
4. ROLAND 707刘麟早年收藏的得意制作，707不仅是一把电琴，同时为电吉他合成器，同时可与MIDI设备连接，今天刘麟依然会运用。吉他上具备吉他与合成器音色转换档，今天LOAND GT8的音色都在其中。
5. FENDER CUSTOM SHOP 客来普顿纪念款，弹奏solo的完美制作，纯手工拾音器，细把琴颈，非常适合亚洲人的手型。参与活动：7月1日庆祝世界反法西斯60周年摇滚音乐会，7月13号申奥运演唱会，皆留下此款琴的足迹。
6. GIBSON CUSTOM SHOP，此琴刘麟购于德国法兰克福乐器展，为黄色虎皮纹，参与力作：三宝新年音乐会，电视剧《中国式离婚》
7. FENDER 1979 015系列，娜英演唱会，刘欢演唱会，电影《不见不散》
8। CUSTOM SHOP 参与作品《天龙八部》。
2005年发表于《乐器》杂志
2007年11月5日星期一
Buffet――布菲的故事
“Buffet”――仅仅是自助餐的代名词吗？在乐器制作领域中，如此望文生义你可就大错特错了。Buffet――作为世界著名的管乐品牌，布菲公司制作的品质卓越的单簧管早已是名声在外了。当今世界法式低音管便是布菲公司（Buffet-Crampon）在19世纪中叶时研制创造的，由此世界乐器行业从不敢低估布菲公司在木管乐器制作历史上的旗舰地位。从19世纪吹来的艺术之风
谈及布菲品牌管乐（Buffet-Crampon）的制作，可说是由Savary制作的乐器形式去发展，模仿并应用其制作基础加以发展，改进了管径及按鍵，按鍵数量增加到20鍵。布菲公司的乐器除了在法国使用，亦在意大利、西班牙及一些英国演奏家使用，这时可算是法式低音管最繁盛的时期，当时Heckel的乐器还是很少人使用，不过风水轮流作，二次大战后，Heckel式乐器反而被较多人采用。
回顾布菲管乐悠久的历史，是在1825年，法国乐器制作师丹尼斯·布菲·奥格在巴黎的市中心建立了他的乐器车间。丹尼斯很快便以13音孔单簧管在世界乐器市场赢得了一席之地。在那个时代，单簧管全部采用手工制作的方式，所以对乐器技师的经验与技能都有相当高的水准与要求。1830年，丹尼斯的儿子吉恩·路易斯接管了工厂的乐器生产，1836年吉恩与Zoé Crampon 结婚，从而导致了Buffet Crampon乐器商标的诞生。从1844年此商标诞生至到今天，布菲公司的商标从未改变过。
19世纪初，吉恩的舅舅路易斯·奥古斯特·布菲结识单簧管演奏家Hyacinthe Klosé，巴黎音乐学院的音乐鉴赏家与教授后，两位乐器制作师与艺术家开始了历史性的合作。他们将德国乐器制作家obald Boehm在长笛上研制使用的按键设计理念，移植到单簧管的乐器形制中。1839年，按键单簧管首次在乐器界展出便获得了业界与演奏家们的认同，产品的市场需求迅速增加。1850年，Buffet Crampon乐器制作工厂在法国Mantes-la-Ville正是建厂。
早在1866年，布菲公司便研制了世界首件萨克斯风管乐器，而世界唯一研制的Adolphe萨克斯的比利时人却比布菲公司晚了近20年的时间。布菲公司以其卓越的乐器品质在世界乐器界赢得了众多荣誉，特别值得一提的是1889年法国巴黎举办的世界展览会荣获的殊荣。1918年，布菲公司进驻美国乐器市场，并确立了在世界单簧管制作业的领导地位。在20世纪中期，布菲公司中极具天才的声学技师Robert Carrée在1950年和1975年，逐步改进了R13音孔与RC音孔形制的单簧管的制作工艺，这些工艺一度引导了当时单簧管制作业乐器形制创新的潮流。
1981年布菲公司与Boosey & Hawkes乐器股份公司合并，公司被允许利用自身的工艺与技术优势，共同开发研制世界高品质的乐器商品。布菲公司最大的强项便在于它所拥有的雄厚技术人力资源，在保持传统工艺特色基础上，同样能与现代化乐器工业生产有效的吻合在一起。
2003年，布菲公司已成为The Music Group音乐集团――针对于乐器制造业而设立的新的联合控股有限公司成员，公司的前身仍然是Boosey & Hawkes集团公司。在新的经营与商业运作模式下，布菲可以在世界乐器市场更加自由的施展自己的梦想与抱负。
人性化的工艺设计理念
享有盛誉的RC型Eb调单簧管
Eb 调 RC布菲品牌单簧管是布菲 RC单簧管系列中通过纯手工工艺与果木加工而成的。此品牌单簧管由一块完整的果木制作而成。其音律通过调谐可达到400到442HZ的音律标准。琴体上附着的镍银按键系统稳固而富有弹性，产品的流线型设计与完美的电镀技术，给演奏家带来了持久而愉悦的演奏触感和心理享受，在音孔上方的钢圈按键结构，充分保证了单簧管音准的稳定性和抗腐蚀的能力，可调整的拇指支架可使演奏者获得最佳的演奏手感。由于琴体中碳纤维的附加，有效的提高RC型Eb调单簧管在不同气候环境中，温湿度对琴体音准与结构的影响，单簧管管腔开裂的问题得到了有效的解决。RC型Eb调单簧管充分体现出其自身特有的音色特点，富有弹性、温暖而有力的音色涵盖了整个乐器的音域。
轻巧便捷的B10/ B12学生型单簧管
对于乐器的初学者而言，乐器音准的稳定性与正确的触感是非常重要的，这将帮助学生形成正确的音高概念，并为器乐学习者的未来发展奠定坚实听觉基础。布菲学生型B10/ B12品牌单簧管原料主要由ABS塑料制作而成，其音色特点类似于果木材料的布菲品牌单簧管。乐器的材料工艺使B10/ B12品牌单簧管具有琴体轻巧、结构坚固、易于清理的特点，非常适合年轻的演奏者学习，乐器的塑胶管身，平直的按键系统，琴体的设计呈现出现代感的设计理念，琴身表面的渲染颜色设计给人以本木色视觉感觉，镍银的按键系统，完美的焊接技术与稳定的金属结构，都体现出布菲管乐精确缜密的工艺特点，充分的保证了乐器的音准稳定性与使用寿命。
布菲所有的学生型单簧管都有可调节的拇指托架系统，可以使学生的获得舒适正确的演奏键感，乐器的颈带设计充分考虑到学生的体型与力度控制问题，悬挂在乐器上的吊带充分解决了学生双手的负重问题，使学生的演奏学习变得轻松愉快。
值得一提的是，在布菲公司为初学乐器而量身定做的管乐系列中，布菲学生型E11型单簧管因其灵活的弹性与迷人音色，再次激发了音乐家的创作灵感，在世界各地的艺术院校中，成为教师教学过程中的首选教学器材。布菲单簧管的制作材料多位乌木，也称为M'Pingo木。这种木材盛产于东非的莫桑比克和坦桑尼亚的原是森林中，此地区的木材因具有完美的共鸣与穿透性而闻名于世界各地的乐器制作界。无论各种型号的布菲单簧管，其键感与音色都获得了音乐家与专业演奏人士的青睐。独特的音孔设计有效的增强了乐器腔体的共鸣，乐器的灵活按键与音孔的密切配合，给演奏人士带来了愉悦的演奏体验。
演奏家是品牌最好的例证
在世界乐器制作行业，演奏家与乐器制作公司的密切纽带关系已是商家的共识，演奏家对乐器音色的苛刻要求同样是对乐器制作商制作工艺水准高低的鉴定与认可。尼古拉斯·保狄鲁（Nicolas Baldeyrou）――法国当今著名的单簧管演奏家，其御用兵器尼便是来自布菲公司研制的Bb调FESTIVAL品牌单簧管，此品牌单簧管呈现出华美的音色，是由享誉世界的设计师Jacques Lancelot、Guy Deplus、Michel Arrignon合力打造的系列布菲单簧管系列。尼古拉斯忠爱此品牌的理由，便在于它非常适合现代音乐家在面对莫扎特时期管乐音乐作品时，所需要的独特音色，乐器温暖而富有的深度的音响效果，以及音准和缜密的工艺设计都达到了完美和谐的效果。
尼古拉斯14岁从艺单簧管演奏家Pierre Bilhaud和Vér onique Fèvre，此后在巴黎Supérieur de Musique 国立音乐艺术学院师从Michel Arrignon，1998年进入单簧管演奏家Arrignon举办的大师班，并赢得享誉法国的单簧管大赛冠军。除获得国立管乐大赛的奖项，尼古拉斯同样获得了众多国际大赛的奖项，其中包括土伦[法国东南部港市]ICA青年器乐演奏大赛冠军，以及具有国际影响的1998年德国慕尼黑ARD管乐大赛首奖。1999年，尼古拉斯获得"Mick Baynes Award"奖项，并被授予年度最佳木管音乐家称号。
谈及布菲品牌管乐（Buffet-Crampon）的制作，可说是由Savary制作的乐器形式去发展，模仿并应用其制作基础加以发展，改进了管径及按鍵，按鍵数量增加到20鍵。布菲公司的乐器除了在法国使用，亦在意大利、西班牙及一些英国演奏家使用，这时可算是法式低音管最繁盛的时期，当时Heckel的乐器还是很少人使用，不过风水轮流作，二次大战后，Heckel式乐器反而被较多人采用。
回顾布菲管乐悠久的历史，是在1825年，法国乐器制作师丹尼斯·布菲·奥格在巴黎的市中心建立了他的乐器车间。丹尼斯很快便以13音孔单簧管在世界乐器市场赢得了一席之地。在那个时代，单簧管全部采用手工制作的方式，所以对乐器技师的经验与技能都有相当高的水准与要求。1830年，丹尼斯的儿子吉恩·路易斯接管了工厂的乐器生产，1836年吉恩与Zoé Crampon 结婚，从而导致了Buffet Crampon乐器商标的诞生。从1844年此商标诞生至到今天，布菲公司的商标从未改变过。
19世纪初，吉恩的舅舅路易斯·奥古斯特·布菲结识单簧管演奏家Hyacinthe Klosé，巴黎音乐学院的音乐鉴赏家与教授后，两位乐器制作师与艺术家开始了历史性的合作。他们将德国乐器制作家obald Boehm在长笛上研制使用的按键设计理念，移植到单簧管的乐器形制中。1839年，按键单簧管首次在乐器界展出便获得了业界与演奏家们的认同，产品的市场需求迅速增加。1850年，Buffet Crampon乐器制作工厂在法国Mantes-la-Ville正是建厂。
早在1866年，布菲公司便研制了世界首件萨克斯风管乐器，而世界唯一研制的Adolphe萨克斯的比利时人却比布菲公司晚了近20年的时间。布菲公司以其卓越的乐器品质在世界乐器界赢得了众多荣誉，特别值得一提的是1889年法国巴黎举办的世界展览会荣获的殊荣。1918年，布菲公司进驻美国乐器市场，并确立了在世界单簧管制作业的领导地位。在20世纪中期，布菲公司中极具天才的声学技师Robert Carrée在1950年和1975年，逐步改进了R13音孔与RC音孔形制的单簧管的制作工艺，这些工艺一度引导了当时单簧管制作业乐器形制创新的潮流。
1981年布菲公司与Boosey & Hawkes乐器股份公司合并，公司被允许利用自身的工艺与技术优势，共同开发研制世界高品质的乐器商品。布菲公司最大的强项便在于它所拥有的雄厚技术人力资源，在保持传统工艺特色基础上，同样能与现代化乐器工业生产有效的吻合在一起。
2003年，布菲公司已成为The Music Group音乐集团――针对于乐器制造业而设立的新的联合控股有限公司成员，公司的前身仍然是Boosey & Hawkes集团公司。在新的经营与商业运作模式下，布菲可以在世界乐器市场更加自由的施展自己的梦想与抱负。
人性化的工艺设计理念
享有盛誉的RC型Eb调单簧管
Eb 调 RC布菲品牌单簧管是布菲 RC单簧管系列中通过纯手工工艺与果木加工而成的。此品牌单簧管由一块完整的果木制作而成。其音律通过调谐可达到400到442HZ的音律标准。琴体上附着的镍银按键系统稳固而富有弹性，产品的流线型设计与完美的电镀技术，给演奏家带来了持久而愉悦的演奏触感和心理享受，在音孔上方的钢圈按键结构，充分保证了单簧管音准的稳定性和抗腐蚀的能力，可调整的拇指支架可使演奏者获得最佳的演奏手感。由于琴体中碳纤维的附加，有效的提高RC型Eb调单簧管在不同气候环境中，温湿度对琴体音准与结构的影响，单簧管管腔开裂的问题得到了有效的解决。RC型Eb调单簧管充分体现出其自身特有的音色特点，富有弹性、温暖而有力的音色涵盖了整个乐器的音域。
轻巧便捷的B10/ B12学生型单簧管
对于乐器的初学者而言，乐器音准的稳定性与正确的触感是非常重要的，这将帮助学生形成正确的音高概念，并为器乐学习者的未来发展奠定坚实听觉基础。布菲学生型B10/ B12品牌单簧管原料主要由ABS塑料制作而成，其音色特点类似于果木材料的布菲品牌单簧管。乐器的材料工艺使B10/ B12品牌单簧管具有琴体轻巧、结构坚固、易于清理的特点，非常适合年轻的演奏者学习，乐器的塑胶管身，平直的按键系统，琴体的设计呈现出现代感的设计理念，琴身表面的渲染颜色设计给人以本木色视觉感觉，镍银的按键系统，完美的焊接技术与稳定的金属结构，都体现出布菲管乐精确缜密的工艺特点，充分的保证了乐器的音准稳定性与使用寿命。
布菲所有的学生型单簧管都有可调节的拇指托架系统，可以使学生的获得舒适正确的演奏键感，乐器的颈带设计充分考虑到学生的体型与力度控制问题，悬挂在乐器上的吊带充分解决了学生双手的负重问题，使学生的演奏学习变得轻松愉快。
值得一提的是，在布菲公司为初学乐器而量身定做的管乐系列中，布菲学生型E11型单簧管因其灵活的弹性与迷人音色，再次激发了音乐家的创作灵感，在世界各地的艺术院校中，成为教师教学过程中的首选教学器材。布菲单簧管的制作材料多位乌木，也称为M'Pingo木。这种木材盛产于东非的莫桑比克和坦桑尼亚的原是森林中，此地区的木材因具有完美的共鸣与穿透性而闻名于世界各地的乐器制作界。无论各种型号的布菲单簧管，其键感与音色都获得了音乐家与专业演奏人士的青睐。独特的音孔设计有效的增强了乐器腔体的共鸣，乐器的灵活按键与音孔的密切配合，给演奏人士带来了愉悦的演奏体验。
演奏家是品牌最好的例证
在世界乐器制作行业，演奏家与乐器制作公司的密切纽带关系已是商家的共识，演奏家对乐器音色的苛刻要求同样是对乐器制作商制作工艺水准高低的鉴定与认可。尼古拉斯·保狄鲁（Nicolas Baldeyrou）――法国当今著名的单簧管演奏家，其御用兵器尼便是来自布菲公司研制的Bb调FESTIVAL品牌单簧管，此品牌单簧管呈现出华美的音色，是由享誉世界的设计师Jacques Lancelot、Guy Deplus、Michel Arrignon合力打造的系列布菲单簧管系列。尼古拉斯忠爱此品牌的理由，便在于它非常适合现代音乐家在面对莫扎特时期管乐音乐作品时，所需要的独特音色，乐器温暖而富有的深度的音响效果，以及音准和缜密的工艺设计都达到了完美和谐的效果。
尼古拉斯14岁从艺单簧管演奏家Pierre Bilhaud和Vér onique Fèvre，此后在巴黎Supérieur de Musique 国立音乐艺术学院师从Michel Arrignon，1998年进入单簧管演奏家Arrignon举办的大师班，并赢得享誉法国的单簧管大赛冠军。除获得国立管乐大赛的奖项，尼古拉斯同样获得了众多国际大赛的奖项，其中包括土伦[法国东南部港市]ICA青年器乐演奏大赛冠军，以及具有国际影响的1998年德国慕尼黑ARD管乐大赛首奖。1999年，尼古拉斯获得"Mick Baynes Award"奖项，并被授予年度最佳木管音乐家称号。
斯特拉迪瓦里的时代
在风光宜人的意大利海滨城市撒特瑞特城，麦格尔湖夏季斯特拉迪瓦里名琴艺术展的主办者按照提琴艺术发展的历史轨迹，集中展示了斯特拉迪瓦里时代不同时期提琴制作工匠们卓绝的提琴工艺作品，使参展者仿若走进了意大利提琴艺术的画廊。
风景如画的意大利北部地区，我们将视野投向三或四个世纪前，克雷蒙娜提琴工匠们卓绝的提琴艺术作品带给世人的喜悦与艺术感染力，一直渗透到我们生活的时代。在这些众多城市之中，最引人瞩目的莫过于stresa（意大利北部城市，汉译斯特瑞萨）。
在麦格尔湖沿岸，斯特瑞特城曾经是一个安静的渔村和盛产用于雕刻艺术的大理石原料的乡村。从意大利北部城市而来的火车径直穿过撒特瑞特小城，“东方快车”的乘客由此能欣赏到麦格尔湖美丽宜人的日落湖光景致。在维多利亚女皇到访之前，斯特瑞萨城曾是世界各地游客在此中转的车站。但现在的斯特瑞萨却成为安静暇逸，秩序井然的旅游城镇，各种华贵的旅店在麦格尔湖沿岸绵延数里，形成一条独特的带有意大利建筑艺术风格的流动风景线。
虽然如此，游客到撒特瑞特城并非只为了欣赏麦格尔湖的景致，更重要的原因在于撒特瑞特城是“settimane musicali音乐节”的故乡。该音乐节创办于1961年，在每年夏季结束前，撒特瑞特城要举办大约30场夏季巡回音乐会。
在“settimane musicali音乐节”过程中举办提琴艺术展的创意，来自pro-Canale基金会的领导人弗朗西斯卡·皮特拉格先生早年的妙思。pro-Canale基金会的主要作用是向演奏家租用其高品质的意大利名琴，基金会旗下拥有大量的私人收藏的意大利名琴，其中不乏斯特拉迪瓦里、瓜奈里、阿玛蒂等名贵的意大利古提琴艺术品，所有的名琴主要是满足音乐家音乐会的演出之用。面对音乐爱好者，pro-Canale基金会同样会组织一些活动，鼓励那些没有意大利古琴演奏经验的音乐人士，通过音乐会和提琴展览的途径，对意大利古琴演奏手感与卓绝音色有更为深刻的理解与认识。
皮特拉格先生一直以来非常注重展览的娱乐性和趣味性，在1963年“settimane musicali音乐节”中，主办者组织了一场特殊的提琴艺术展览会――47把意大利斯特拉迪瓦里名琴同时出现在公众面前。皮特先生有时会将单独品牌名琴的展示作为古琴系列展览中的特定内容，这些给人们留下深刻印象的展览包括：2001年瓜奈里古琴展和威尼斯提琴艺术作品展。而今年夏天，皮特先生却将目光锁定在斯特拉迪瓦里名琴的身上。
在撒特瑞特城，每年的提琴展览会都会在不同的场所举办，这首先得感谢来自于意大利古老的王室家族保罗米尔家族的慷慨捐助。保罗米尔家族向基金会提供了两座意大利皇室宫殿的展览大厅和一座古意大利城堡，这些各具特色的古意大利建筑的地理位置就在撒特瑞特城附近，而且保罗米尔家族古老的宫殿、城堡与意大利古琴是在同一时代诞生的。这些颇具历史文化传统的古建筑，让我们很难想像还有哪些场所更适合来展示意大利古琴了。
斯特拉迪瓦里名琴展在伊索拉·贝拉皇室宫殿大厅曾经举办过，名琴按年代顺序展示的独特创意，使参展者刚步入宫殿大厅的门口便见到了斯特拉迪瓦里最早期的名琴之一――“金色的钟铃”（golden bell），一把体现1686年提琴制作艺术风格的小提琴作品。
“金色的钟铃”并非是斯特拉迪瓦里最早期的提琴作品，原因其制作的时间在1640年左右，所以世人并不把它作为斯氏早期提琴制作艺术特征的最好例证。但我们仍能从它身上看到16世纪晚期典型的克雷蒙娜提琴的外观设计，美丽且具有纯净光泽的外观，紧密的轮廓角度，狭窄的饰缘紧贴于饰缘槽，从而形成一条完美和谐的弧线，这些杰出的提琴作品充分显现出不同于阿玛蒂时代的提琴制作工艺风格。
“金色的钟铃”是如此的完美，以致于参展的观众在它面前留恋不已，但在参展的众多“提琴明星”中，一把来自1690年的“托斯卡纳”提琴同样吸引了我们的目光，它是一件著名的提琴作品，在很多提琴著作中都会把它列入其中。“托斯卡纳”提琴现委托由佛罗伦萨(意大利都市名)梅蒂奇家族的贵族们保管。斯特拉迪瓦里名琴委托权的重要性是显而易见的，如何让这些意大利古琴保持最佳的工艺状态，需要花费大量的财力与精力。而且，这些古琴必须在特定的环境下才能保持住其卓绝的工艺品质。“托斯卡纳”提琴不同于我们常见的古乐器带有的磨损的外观，它看起来更像是来自新时期的提琴作品，如果我们不通过佛罗伦萨梅蒂奇家族五重奏的历史图片，我们更不敢确认这把古琴竟然诞生在17世纪末期。
沿着历史的轨迹，接着进入我的视野的是此次展会唯一的一把来自1698年的“森诺驰圣徒”（saint senoch）大提琴。乐器强有力的外观设计，以及它缩小的尺寸，让我们很难想像其最初的形制。提琴的中腰是如此的修长，这些都证实了后世人们对大提琴长度的观点的推测，在提琴面板两侧的F孔体现出华丽的图案设计与斯氏名琴时代卓绝的雕刻工艺，在F孔的上下两端，锋利的刻刀勾画出一条完美的弧线。
接下来被展示的提琴是来自1702年的“conte de Fontana”小提琴，直到小提琴演奏家David Oistrakh去世前，该琴一直被David Oistrakh所演奏使用。这把名琴的外形是非常迷人的：它非常接近“梅蒂奇家族”保管的古琴形制，且有别于16世纪末其他意大利古琴的外形。所有这些特征意味着这件提琴作品或许诞生在更早期斯特拉迪瓦里时代，但它的外观设计更像是受到了阿玛蒂时代提琴制作艺术的影响。显而易见，提琴的面板是由一块单独的云杉木制作而成。这把意大利古琴曾在1987年的克雷蒙娜展出，一起展出的名琴还有来自1716年“波塞尔”（berthier）古琴，在撒艾库尼（Sacconi）的《斯特拉迪瓦里的秘密》著作中，曾专门介绍过这把意大利古琴。
展览会的实力之一同样体现在是要把在连续年代制作的三把小提琴进行比较，其中保括来自1707的“rivaz”,1708的“ Elisabetta Petrovna” 和 1709年“Nachez”。
斯特拉迪瓦里在此时期也逐步进入到了他提琴制作艺术的黄金时代。这些意大利古琴充分展示出斯特拉迪瓦里时代提琴制作形制的发展以及制作家探寻卓绝音色品质的过程。这些古琴看起来形制是相似的，但仍然存在很多的细微差别：尽管撒特拉迪瓦里一直构想他的提琴作品呈现出完美的弧线轮廓，但“rivaz”古琴的下圆部位相对于提琴的上圆和中腰则体现出更为圆形的结构设计特点。提琴的弦轴相对于弦首要更大一点，但它们组合在一起却显得如此完美。这一外观特征同样在1708的“ Elisabetta Petrovna”古琴上也得到了印证。
斯特拉迪瓦里的黄金时代同样可从两把古琴上得到印证：1715年的“克雷蒙娜”呈现出其颇具胆识的外观设计理念，以及来自1716年或许更为早期的古提琴作品“Marechal Berthier”。这是两把最俱斯特拉迪瓦里黄金时代提琴制作艺术风格的作品，提琴外沿的弓形框架谨慎的扩展到最大的宽度，平直的轮廓线条为声音传输的流畅性提供了更佳的设计结构。这两把古提琴声音的品质是惊人的，由此证明两把古提琴的选用了精品木材且经过了特殊的油漆工艺。
在展览中，1719年的‘monasterio’古提琴与1728的‘milanollo’古提琴显示了斯氏名琴共同的艺术特征，但同样也印证了在斯特拉迪瓦里漫长的提琴制作艺术生涯中，提琴制作艺术在制作形制上的变化与发展，‘monasterio’古提琴表现出绝大多数克雷蒙娜完美优雅的古典提琴艺术特征。修长的饰缘，强有力的旋首设计，以及深奥的雕刻工艺。但提琴的F孔的设计却来自斯氏制作艺术的颠峰时期。‘monasterio’古提琴更加显示出斯特拉迪瓦里晚期夸张大胆的艺术设计思想。提琴的弓架结构是平直、宽阔和修长的，提琴的旋首与外沿轮廓个性鲜明，缺少了早期柔和的艺术特征。这些提琴的F孔相对于斯氏晚期名琴，如来自1734年吉普森中提琴的设计是独特和有趣的，由于年龄的原因，吉普森中提琴的工艺特征已明显的显示出斯特拉迪瓦里的提琴制作艺术已进入了晚期。
撒特瑞特城意大利提琴艺术展的开幕与闭幕同样与两场意大利名琴音乐会同步进行，我们上文提到的remonese’, ‘Marechal Berthier’, ‘Rivaz’ 和 ‘Elisabetta Petrovna’不同时代的名琴都将给音乐会的听众留下深刻的音乐印象。在音乐会之前，由音乐家选择演出的用琴，这就像陪着孩子们逛糕饼店，所有古提琴都是雍容华贵的，但每把提琴都有属于自身的音色特性和品质，选择名琴对艺术家来说同样是件难以抉择的问题，谁不不敢说自己选到了最适合自己的古提琴，但这就是主办者的高明之处，在艺术家选择的过程，他们同样也明白了什么才是伟大提琴艺术作品，斯特拉迪瓦里为了在提琴艺术发展的历史中取得了无可替代的艺术地位。
在麦格尔湖沿岸，斯特瑞特城曾经是一个安静的渔村和盛产用于雕刻艺术的大理石原料的乡村。从意大利北部城市而来的火车径直穿过撒特瑞特小城，“东方快车”的乘客由此能欣赏到麦格尔湖美丽宜人的日落湖光景致。在维多利亚女皇到访之前，斯特瑞萨城曾是世界各地游客在此中转的车站。但现在的斯特瑞萨却成为安静暇逸，秩序井然的旅游城镇，各种华贵的旅店在麦格尔湖沿岸绵延数里，形成一条独特的带有意大利建筑艺术风格的流动风景线。
虽然如此，游客到撒特瑞特城并非只为了欣赏麦格尔湖的景致，更重要的原因在于撒特瑞特城是“settimane musicali音乐节”的故乡。该音乐节创办于1961年，在每年夏季结束前，撒特瑞特城要举办大约30场夏季巡回音乐会。
在“settimane musicali音乐节”过程中举办提琴艺术展的创意，来自pro-Canale基金会的领导人弗朗西斯卡·皮特拉格先生早年的妙思。pro-Canale基金会的主要作用是向演奏家租用其高品质的意大利名琴，基金会旗下拥有大量的私人收藏的意大利名琴，其中不乏斯特拉迪瓦里、瓜奈里、阿玛蒂等名贵的意大利古提琴艺术品，所有的名琴主要是满足音乐家音乐会的演出之用。面对音乐爱好者，pro-Canale基金会同样会组织一些活动，鼓励那些没有意大利古琴演奏经验的音乐人士，通过音乐会和提琴展览的途径，对意大利古琴演奏手感与卓绝音色有更为深刻的理解与认识。
皮特拉格先生一直以来非常注重展览的娱乐性和趣味性，在1963年“settimane musicali音乐节”中，主办者组织了一场特殊的提琴艺术展览会――47把意大利斯特拉迪瓦里名琴同时出现在公众面前。皮特先生有时会将单独品牌名琴的展示作为古琴系列展览中的特定内容，这些给人们留下深刻印象的展览包括：2001年瓜奈里古琴展和威尼斯提琴艺术作品展。而今年夏天，皮特先生却将目光锁定在斯特拉迪瓦里名琴的身上。
在撒特瑞特城，每年的提琴展览会都会在不同的场所举办，这首先得感谢来自于意大利古老的王室家族保罗米尔家族的慷慨捐助。保罗米尔家族向基金会提供了两座意大利皇室宫殿的展览大厅和一座古意大利城堡，这些各具特色的古意大利建筑的地理位置就在撒特瑞特城附近，而且保罗米尔家族古老的宫殿、城堡与意大利古琴是在同一时代诞生的。这些颇具历史文化传统的古建筑，让我们很难想像还有哪些场所更适合来展示意大利古琴了。
斯特拉迪瓦里名琴展在伊索拉·贝拉皇室宫殿大厅曾经举办过，名琴按年代顺序展示的独特创意，使参展者刚步入宫殿大厅的门口便见到了斯特拉迪瓦里最早期的名琴之一――“金色的钟铃”（golden bell），一把体现1686年提琴制作艺术风格的小提琴作品。
“金色的钟铃”并非是斯特拉迪瓦里最早期的提琴作品，原因其制作的时间在1640年左右，所以世人并不把它作为斯氏早期提琴制作艺术特征的最好例证。但我们仍能从它身上看到16世纪晚期典型的克雷蒙娜提琴的外观设计，美丽且具有纯净光泽的外观，紧密的轮廓角度，狭窄的饰缘紧贴于饰缘槽，从而形成一条完美和谐的弧线，这些杰出的提琴作品充分显现出不同于阿玛蒂时代的提琴制作工艺风格。
“金色的钟铃”是如此的完美，以致于参展的观众在它面前留恋不已，但在参展的众多“提琴明星”中，一把来自1690年的“托斯卡纳”提琴同样吸引了我们的目光，它是一件著名的提琴作品，在很多提琴著作中都会把它列入其中。“托斯卡纳”提琴现委托由佛罗伦萨(意大利都市名)梅蒂奇家族的贵族们保管。斯特拉迪瓦里名琴委托权的重要性是显而易见的，如何让这些意大利古琴保持最佳的工艺状态，需要花费大量的财力与精力。而且，这些古琴必须在特定的环境下才能保持住其卓绝的工艺品质。“托斯卡纳”提琴不同于我们常见的古乐器带有的磨损的外观，它看起来更像是来自新时期的提琴作品，如果我们不通过佛罗伦萨梅蒂奇家族五重奏的历史图片，我们更不敢确认这把古琴竟然诞生在17世纪末期。
沿着历史的轨迹，接着进入我的视野的是此次展会唯一的一把来自1698年的“森诺驰圣徒”（saint senoch）大提琴。乐器强有力的外观设计，以及它缩小的尺寸，让我们很难想像其最初的形制。提琴的中腰是如此的修长，这些都证实了后世人们对大提琴长度的观点的推测，在提琴面板两侧的F孔体现出华丽的图案设计与斯氏名琴时代卓绝的雕刻工艺，在F孔的上下两端，锋利的刻刀勾画出一条完美的弧线。
接下来被展示的提琴是来自1702年的“conte de Fontana”小提琴，直到小提琴演奏家David Oistrakh去世前，该琴一直被David Oistrakh所演奏使用。这把名琴的外形是非常迷人的：它非常接近“梅蒂奇家族”保管的古琴形制，且有别于16世纪末其他意大利古琴的外形。所有这些特征意味着这件提琴作品或许诞生在更早期斯特拉迪瓦里时代，但它的外观设计更像是受到了阿玛蒂时代提琴制作艺术的影响。显而易见，提琴的面板是由一块单独的云杉木制作而成。这把意大利古琴曾在1987年的克雷蒙娜展出，一起展出的名琴还有来自1716年“波塞尔”（berthier）古琴，在撒艾库尼（Sacconi）的《斯特拉迪瓦里的秘密》著作中，曾专门介绍过这把意大利古琴。
展览会的实力之一同样体现在是要把在连续年代制作的三把小提琴进行比较，其中保括来自1707的“rivaz”,1708的“ Elisabetta Petrovna” 和 1709年“Nachez”。
斯特拉迪瓦里在此时期也逐步进入到了他提琴制作艺术的黄金时代。这些意大利古琴充分展示出斯特拉迪瓦里时代提琴制作形制的发展以及制作家探寻卓绝音色品质的过程。这些古琴看起来形制是相似的，但仍然存在很多的细微差别：尽管撒特拉迪瓦里一直构想他的提琴作品呈现出完美的弧线轮廓，但“rivaz”古琴的下圆部位相对于提琴的上圆和中腰则体现出更为圆形的结构设计特点。提琴的弦轴相对于弦首要更大一点，但它们组合在一起却显得如此完美。这一外观特征同样在1708的“ Elisabetta Petrovna”古琴上也得到了印证。
斯特拉迪瓦里的黄金时代同样可从两把古琴上得到印证：1715年的“克雷蒙娜”呈现出其颇具胆识的外观设计理念，以及来自1716年或许更为早期的古提琴作品“Marechal Berthier”。这是两把最俱斯特拉迪瓦里黄金时代提琴制作艺术风格的作品，提琴外沿的弓形框架谨慎的扩展到最大的宽度，平直的轮廓线条为声音传输的流畅性提供了更佳的设计结构。这两把古提琴声音的品质是惊人的，由此证明两把古提琴的选用了精品木材且经过了特殊的油漆工艺。
在展览中，1719年的‘monasterio’古提琴与1728的‘milanollo’古提琴显示了斯氏名琴共同的艺术特征，但同样也印证了在斯特拉迪瓦里漫长的提琴制作艺术生涯中，提琴制作艺术在制作形制上的变化与发展，‘monasterio’古提琴表现出绝大多数克雷蒙娜完美优雅的古典提琴艺术特征。修长的饰缘，强有力的旋首设计，以及深奥的雕刻工艺。但提琴的F孔的设计却来自斯氏制作艺术的颠峰时期。‘monasterio’古提琴更加显示出斯特拉迪瓦里晚期夸张大胆的艺术设计思想。提琴的弓架结构是平直、宽阔和修长的，提琴的旋首与外沿轮廓个性鲜明，缺少了早期柔和的艺术特征。这些提琴的F孔相对于斯氏晚期名琴，如来自1734年吉普森中提琴的设计是独特和有趣的，由于年龄的原因，吉普森中提琴的工艺特征已明显的显示出斯特拉迪瓦里的提琴制作艺术已进入了晚期。
撒特瑞特城意大利提琴艺术展的开幕与闭幕同样与两场意大利名琴音乐会同步进行，我们上文提到的remonese’, ‘Marechal Berthier’, ‘Rivaz’ 和 ‘Elisabetta Petrovna’不同时代的名琴都将给音乐会的听众留下深刻的音乐印象。在音乐会之前，由音乐家选择演出的用琴，这就像陪着孩子们逛糕饼店，所有古提琴都是雍容华贵的，但每把提琴都有属于自身的音色特性和品质，选择名琴对艺术家来说同样是件难以抉择的问题，谁不不敢说自己选到了最适合自己的古提琴，但这就是主办者的高明之处，在艺术家选择的过程，他们同样也明白了什么才是伟大提琴艺术作品，斯特拉迪瓦里为了在提琴艺术发展的历史中取得了无可替代的艺术地位。
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